Разговаривая со многими художниками и изучая творчество гениев прошлых веков, я не раз сталкивалась с тем, что одни предпочитают живопись, а другие тяготеют к графике. Особенно странно видеть, когда художник использует жанр, который ему изначально не свойственен. Одни приобретают в этом несоответствии что-то новое и важное для себя, другие только теряют и проигрывают. Особенно отчётливо я увидела это на выставке в Третьяковской галерее, посвященной наброскам и этюдам к знаменитым картинам. Некоторые чёрно-белые наброски были гораздо живее, чувственнее, ярче, чем законченная работа в цвете. Но в тот момент графику ещё не считали чем-то самоценным, и, чтобы получить заказы, многим художникам приходилось изменять своей природе.

Есть ли что-то общее у всех прирождённых живописцев и всех прирождённых графиков? Полагаю, что это само отношение к жизни, к миру. Живописец воспринимает мир чувствами, он переносит на картину чистые эмоции. И здесь нет лучшего примера, чем импрессионисты, которые чувственное впечатление заложили в основу всего своего творчества.

У прирождённых художников-графиков совсем другой подход: вдумчивый, интеллектуальный. Они отталкиваются в своём творчестве от идей и размышлений. Подчас за каждой картиной стоит целая философия. Но этот подход, разумеется, не делает работы бесчувственными, чёрствыми или холодно-расчётливыми. Просто чувства отходят на второй план и становятся в подчинение к мысли. Они уже не цель, а средство выражения для художника. Так, например, расставил для себя приоритеты один из ярчайших художников России ХХ-го века, Владимир Фаворский: «Мысли, чувства, ремесло».

Многие художники удерживаются от двух этих крайностей, находя равновесие между разумом и чувством. Бывают и такие, которые на протяжении жизни меняются настолько, что из живописцев оборачиваются в графиков и наоборот. Мне вспоминается Пикассо, у которого живописный голубой период сменялся предельно графичным кубистическим и так далее.

Что касается меня, то я всегда была именно художником-графиком (и задолго до того, как эта профессия была напечатана в моём дипломе). Я могу использовать масло или акварель, это ничего не изменит. В основе любой картины всё равно будет идея, мысль, и только потом, для более полного её воплощения – чувство.

Бессмысленно и глупо говорить о том, что один из этих двух подходов к искусству и жизни лучше или выше другого. И очень важно прислушиваться к себе и выбирать тот путь, который ближе именно тебе, чтобы не попасть в ту же ловушку, что и художники-не-живописцы с выставки.

Действительно, в чём же разница между живописью и графикой? Многие склонны проводить очень простую параллель: всё, что написано маслом – это живопись, а карандашом, или, скажем, тушью – однозначно графика. Цветные карандаши – живопись, пастель, гуашь и акрил – живопись, а вот сепия или уголь – графика, и точка! Некоторые заходят еще дальше, причисляя к живописи только масло, а той же акварели в этом звании безапелляционно отказывают. Однако этот подход в корне не верен! Различия между живописью и графикой кроются гораздо глубже. По большому счёту, техника исполнения здесь вообще ни при чём. Да и согласитесь: было бы искусство искусством, если бы его можно было измерить такими примитивными величинами? Отсюда недалеко до того, чтобы измерять ценность картины в ширине кисточки или формате холста!

Итак, что же такое по сути своей живопись? Оставим в покое перечисление различных художественных техник и всмотримся в самую суть, в то, что нас очаровывает и завораживает в полотнах великих мастеров. Что подвластно только живописи? Что делает живопись живописью? Это соотношение оттенков! Это тончайшая игра интонациями цвета, которая наполняет жизнью картины Клода Моне. Это неуловимый для глаза переход от одного нюанса тона к другому, который заставляет переливаться полотна Ренуара, словно драгоценный перламутр. Это тот самый случай, когда композиция построена на противопоставлении тёплых и холодных оттенков, которые придают динамику работам Сезанна. Недаром же он сам и говорил, что «Нет ничего прекраснее, чем два оттенка, положенные рядом». А уж Сезанн-то в этом разбирался, и спорить с великим мастером бесполезно.

Но что остаётся графике? Увы, много веков подряд она считалась средством вспомогательным, пригодным лишь для набросков и подготовке к основному этапу работы над картиной. Даже сейчас большинство отказывает ей в какой бы то ни было самостоятельности. Попробовали бы они сказать такое, глядя в глаза Дюреру! Полагаю, что Гюстав Доре или Владимир Фаворский тоже нашли бы, что на это возразить. Замолвлю словечко и я: графика ни в чём не уступает живописи! Подчас она выражает замысел художника гораздо острее, чем самая безупречная и изысканная живопись. У графики свои собственные цели и собственные средства для их воплощения. Она вся строится на контрастах. Если ритм живописи завязан на тёплых и холодных оттенках, то графика строится на противопоставлении чёрного и белого, штриха и нетронутой бумаги. Если в распоряжении у живописи есть градации оттенков, то графика сочетает пятно и штрих.

Часто эти два жанра так сильно переплетаются, что работа маслом становится графикой, а чёрно-белый рисунок больше напоминает живопись. Взять, к примеру, иллюстрации к «Войне и миру». В глубине каждого из этих серых тонов живёт какая-то краска, открывающаяся внимательному зрителю словно по волшебству. Воображение без труда подбирает свой тон каждому элементу иллюстрации. Совсем другое дело – красочные плакаты Тулуз-Лотрека. Сколько бы цветов и оттенков он ни использовал, по сути своей каждый плакат графичен до самого своего основания. И каждый прекрасен этой своей графичностью.

Конечно, главное для картины – не то, красками или чем-либо ещё она была создана, а то, что она воплощает идею, которую заложил в неё художник, наиболее подходящими для этого средствами. И если идея глубока, а средства полностью ей соответствуют и подкрепляют её, то не всё ли равно, живопись это или графика?

Что такое офорт? Это одна из сложнейших печатных техник, возникшая ещё в начале 16-го века и продолжающая существовать до сих пор. Её суть заключается в том, что изображение наносится на металлическую пластину, покрытую кислотоустойчивым лаком, а затем погружается в кислоту, которая разъедает металл в тех местах, где проходил штрих. После этого в углубления пластины забивается краска, которая под давлением переносится на бумагу, и мы получаем готовый оттиск.

Это если в двух словах. А теперь подробнее о каждом этапе работы.

Сразу скажу, что в домашних условиях создать офорт невозможно, для этого существуют специально оборудованные мастерские. Кислота, выделяющая ядовитые пары, требует профессиональной вентиляции, а давление для переноса краски на бумагу можно получить только под печатным станком.

В качестве материала для офорта используют медь, цинк или сталь. Я всегда отдаю предпочтение меди, поскольку работать с ней удобнее всего. Цинк немного уступает меди, но всё же остаётся самым распространённым материалом для офорта. От исходного материала зависит то, какую кислоту мы будем позже использовать, и как долго будет проходить травление. Так, для меди используют азотную и серную кислоту, и сам процесс травления занимает довольно много времени. Но прежде всего доску надо подготовить: тщательно отшлифовать, сгладить углы (чтобы металл не прорезал бумагу во время создания оттисков) и с помощью мела, растёртого в порошок, обезжирить. На готовую доску наносится тонкий слой кислотоупорного лака. Для этого обычно доску нагревают и тщательно растирают лак по поверхности доски, пока его слой не станет абсолютно ровным. Важно чтобы вся доска была под защитой. С этой целью можно покрыть её лаком с обеих сторон, но есть маленькая хитрость: взять скотч и аккуратно заклеить им обратную сторону доски. На этом заканчивается самый механический этап работы – подготовка.

С этой минуты начинается самое важное – чистое творчество. С помощью офсетной иглы слой лака процарапывается, открывая металл. Важно помнить, что оттиск представляет собой зеркальное отражение, так что строить композицию и тем более вписывать текст нужно с учётом этой особенности. Ещё одно ценное указание: штрихи не должны сливаться в сплошное пятно, иначе потом краске не за что будет уцепиться, и вместо глубокой тени на печати получится пробел. Во всём остальном этот этап работы даёт художнику полную свободу.

Когда изображение процарапано на лаке, доску погружают в ванну с кислотой. Самое время вспомнить технику безопасности: не прикасаться к кислоте, использовать только резиновые перчатки и не находиться наедине с кислотой слишком долго. Всё же среди всех печатных техник эта самая опасная!

Время, которое доска проведёт в кислоте, зависит и от материала (цинк, медь и т.д.), и от кислоты, и от её концентрации, а так же от силы, с которой художник наносил штрихи. Этот этап может занять от нескольких минут до часа. Когда металл начинает светиться, работу пора доставать. Далее доска промывается от кислоты обычной водой, потом от лака – при помощи ацетона. Вглубь штрихов загоняется краска, её излишки удаляются. Краска нужна специальная офортная. Можно использовать разные цвета и добиваться мягкого перехода оттенков. Наконец, полностью готовую пластину накрывают влажной бумагой (тоже специальной офортной) и прокручивают под прессом. Давление валика станка нужно регулировать в зависимости от толщины используемой пластины. Офортный оттиск ни с чем не спутаешь: на поверхности бумаги остаётся углубление с красивыми скошенными углами – фасками.

И теперь самое время сказать: вся описанная выше технология – это лишь база, одна из самых простых разновидностей офорта, называемая «травлёный штрих».

2-го мая в выставочном зале на Кузнецком мосту открылась крупная выставка, объединившая работы многих молодых художников. Сразу на нескольких выставочных площадках разместились скульптуры, живопись, графика и прикладное искусство нескольких десятков молодых московских художников. Я, разумеется, тоже не смогла остаться в стороне и поучаствовала в этом крупном художественном событии, выставив на всеобщее обозрение свои иллюстрации к рассказам Михаила Зощенко.

Разумеется, все работы, попавшие на выставку, прошли через отбор суровой и беспристрастной выставочной комиссии, главными критериями для которой был свежий взгляд и собственное видение.

В итоге выставка получилась очень насыщенной и многогранной. В ней нашлось место для самых разных техник, стилистик и жанров. Большие залы объединили работы выпускников многих художественных вузов.

Напоследок несколько фотографий с грандиозного открытия:

В одной из предыдущих статей я уже рассказывала подробно о технологии офорта, а вернее о так называемом травлёном штрихе, классической офортной манере, которую часто и называют офортом. Однако существуют и другие, не менее интересные манеры: акватинта, сухая игла, лавис, мягкий лак, меццо-тинто и другие. На этот раз я собираюсь подробнее остановиться на акватинте и сухой игле.

Я просто не могла умолчать об этой технике, поскольку из всех способов гравирования именно сочетание травлёного штриха и акватинты является моим любимчиком J В этой технике, к примеру, сделаны мои иллюстрации к «Золотому горшку» Гофмана.

Эта офортная манера позволяет использовать полутона, создавая разные по насыщенности цвета пятна. Для этого подготовленную описанным в предыдущей статье способом металлическую форму покрывают слоем кислотоупорной смолы – чаще всего канифольной. Она будет создавать зернистую фактуру, причём величиной зёрен можно управлять, применяя дополнительные материалы. Затем начинается следующий этап: поверх слоя смолы кистью наносится выкрывной лак, но уже не по всей поверхности, а только в тех местах, которые должны остаться белыми. Затем доску помещают в кислоту на непродолжительное время, после чего достают, промывают водой и наносят новые пятна лака – на этот раз в тех местах, которые должны быть светло-серыми. Доска снова травится, снова достаётся из кислоты, чтобы закрыть лаком немного более насыщенные по цвету участки. Градаций может быть весьма много: от светло-серого до насыщенно-чёрного. Важно помнить, что переходы между двумя полутонами не могут быть сглаженными, граница всегда будет заметна. После всех этапов травления смолу и лак смывают, и в доску набивают офортную краску, аккуратно распределяя её по форме. Затем под давлением получают оттиск на бумаге. Таким образом, мы получаем изображение из разных по насыщенности пятен. В силу своих особенностей, акватинта не позволяет использовать штрих, поэтому чаще всего её совмещают с другими офортными манерами. Например, с травлёным штрихом, для чего за основу на первом этапе работы берут не чистую доску, а уже прошедшую все этапы травлёного штриха металлическую форму.

Акватинта позволяет использовать богатейший набор приёмов и фактур. При использовании нескольких досок, оттиски которых накладываются один поверх другого, можно работать с цветовыми сочетаниями, добиваясь тончайших нюансов. Не удивительно, что со времени своего возникновения во второй половине 18-го века акватинта довольно долго использовалась как репродукционная техника, для тиражирования известных живописных полотен. В полной мере выразительные возможности акватинты открыл Франциско Гойя. В его руках акватинта перестала быть техникой механического воспроизведения и обрела собственную ценность, воплощая творческие замыслы великого мастера. В сериях работ «Каприччос», «Тавромахия» и «Бедствия войны» Гойя совершенствовал и развивал эту технику, постоянно выискивая новые приёмы.

Эта техника стоит немного в стороне и от травлёного штриха, и от акватинты, прежде всего за счёт того, что травления кислотой в ней не используется вовсе. Изображение закрепляется в металле механически – за счёт сильного нажатия офортной иглы и других материалов. Тонкая и острая игла оставляет на доске борозды с характерными заусенцами – «барбами». Офортная краска, заполняя эти борозды и цепляясь за барбы, создаёт удивительно мягкие штрихи на бумаге.

Но не стоит считать сухую иглу такой уж простой техникой на фоне многоступенчатой акватинты. У сухой иглы в запасе тоже немало способов выразительности. При помощи дополнительных инструментов можно создавать интересную и нестандартную фактуру, а варьируя силу нажатия – управлять насыщенностью штрихов.

Этим летом мне выдалась чудесная возможность не только подышать свежим воздухом Подмосковья, вырвавшись из душных объятий Москвы с её бесконечными пробками, но ещё и узнать получше нескольких замечательных художников, которые разделили со мной это маленькое приключение.

Отправились мы в чудесный город Клин - место столь же живописное, сколь и излюбленное известными деятелями культуры. Прежде всего, его приметил для себя Пётр Ильич Чайковский, снимавший здесь дом с 1892 года. Умиротворяющие пейзажи и размеренная жизнь этих мест не оставили его равнодушным. В городе осталось много мест, связанных с его именем, и в том числе несколько прекрасных усадеб. Сейчас в пруду усадьбы Майданово плавают грациозные лебеди - два чёрных и два белых - в память об одном из самых известных балетов, написанных мастером.

Мы, художники, тоже не ленились, и за несколько дней успели изобразить практически всё, что только было в городе. Зарисовыванию подверглись мосты, церкви, руины старых усадеб, тропинки парков, лебеди и даже случайные прохожие. По итогам этой колоссальной работы мы открыли выставку в главном выставочном зале города Клина.

На открытие пришли заслуженные художники города, были гости и из Москвы.

Пользуясь случаем, хочу поблагодарить организаторов пленэра и выставки, и прежде всего Наталью Костецкую, а также всех художников-участников этого отличного проекта!

На торжественном открытии выставки

Ну и конечно я на фоне готовых работ в центральной галерее города Клина.

Недавно выставку продлили, так что у Вас ещё есть шанс на неё заглянуть! Выставка проходит в Выставочном зале имени Карапаева по адресу г. Клин, ул. Литейная, д. 24 «а».

Время работы: с 10.00 до 17.00.

Выходные дни: понедельник, вторник. Санитарный день – последняя пятница каждого месяца.

Недавно в одном из депо Московского метрополитена прошла выставка работ, так или иначе связанных с внутренней жизнью столичной подземки. Она объединила зарисовки интерьеров станций, портреты случайных пассажиров и макеты того, как метро могло бы выглядеть в будущем. Проходила она в депо СОКОЛ в рамках художественного проекта к 80-летию Московского метрополитена "От Сокольников до Парка... на метро".

Разумеется, я и на этот раз не осталась в стороне! На выставке красовались две моих работы:

"Мозайки на Маяковской" и

"На станции метро Сокол"

Хотелось бы сказать отдельное спасибо руководству и работникам депо, потому что они сделали всё возможное, чтобы вдохновить нас, художников - участников проекта. Специально для нас открыли все двери, куда обычно простых смертных не допускают ни под каким предлогом, и как апогей гостеприимства - нам разрешили прокатиться по метро в кабине машиниста. Это было незабываемо! Надо сказать, что самые знакомые станции и туннели начинают выглядеть совсем по-другому, когда меняешь ракурс. Спешу поделиться фотографиями:

Кроме этого, машинисты провели нас по самому депо Сокол и рассказали о том, как всё устроено. Надо сказать, забота о безопасности в метро превыше всего! Ну и теперь я знаю, например, что у переднего состава огни горят белым, а у замыкающего - красным, что прибытие на каждую станцию рассчитано по секундам, но некоторые люди держат двери и портят все рассчёты, и только поэтому в метро до сих пор не ввели автоматическое управление, хоть и пытались, что в каждом депо есть гостиница и очень неплохой спортзал, где проводятся чемпионаты по игре в настольный теннис, и что в столовой на завтрак машинистов кормят очень вкусными блинами!

Пожалуй, добавлю ещё несколько фотографий из самого депо:

Ну и напоследок наша весёлая и дружная команда художников:

А здесь мы вместе с одним из машинистов и начальником депо Сокол:

Я рядом со своими работами:

И в самом депо:

Спасибо Оле Бакицкой и Оле Пивень за фотографии с открытия выставки!

Осталось ещё сказать, что руководство депо Сокол было до такой степени довольно выставкой, что приобрело все наши работы для своей коллекции. Что ж, надеюсь, что на этом наше сотрудничество не ограничется, потому что вдохновения у меня хватит ещё на целую серию картин :)

Как говаривал Антон Павлович Чехов, «В человеке всё должно быть прекрасно». Недавно в особняке купца Носова открылась выставка, посвящённая великому драматургу, и озаглавлена она этими самыми словами.

Я прошлась по залам и постаралась запомнить всё самое интересное. Теперь поделюсь с вами своими впечатлениями )

Прежде всего, поговорим о самом доме, где располагается выставка. В.Д. Носов, купец 1-ой гильдии, в 1903 году построил по проекту архитектора Л.Н. Кекушева не просто какой-нибудь стандартный домик, а настоящий памятник модерна. Дом очень необычный, с изогнутыми деревянными балками, резными лестницами и огромными окнами. Сейчас здесь располагается Центр русского модерна, что совсем не удивительно!

Одним словом, лучшего места для выставки придумать сложно! Работы художников, собравшихся из разных вузов, последователей разных изобразительных стилистик и направлений, были расположены в разных залах и на разных этажах, что логически делило выставку на отдел иллюстраций к произведениям и отдел, посвящённый жизни Чехова, его родным местам и современникам.

На выставке можно увидеть не только картины и иллюстрации, но и предметы декоративно-прикладного искусства, макеты и платья, сшитые в духе того времени.

Больше всего меня заинтересовали макеты театральных постановок:

Макет Алины Алимовой к пьесе «Дядя Ваня»

Макет Алёны Лисиной к пьесе «Чайка»

И ещё несколько интересных работ и фрагментов:

Мои работы можно увидеть в большом зале на втором этаже.

Спасибо организатору выставки творческому объединению «Время молодых XXI век» и лично Наталье Костецкой за прекрасную выставку!

Выставка продлится с 22 октября по 25 ноября 2015 года.
График работы: с понедельника по пятницу, с 12:00 до 19:00.
Адрес: Электрозаводская улица, д. 12, стр. 1

Недавно мне удалось поработать над замечательной детской книгой нашей современницы Риммы Кошурниковой. Книга называется «Следствие по всем правилам» и рассказывает о том, как группа друзей и одноклассников взялась расследовать дело о пропаже редкой ели, которую кто-то срубил прямо под Новый год во дворе их дома. История весёлая и очень добрая - как раз такая, которых очень не хватает в наше время.

В рамках этого проекта я создала более пятидесяти графических иллюстраций и очень прониклась этой необычной детективной историей. Особенно приятно было изображать главных героев - детей, у каждого из которых свой неповторимый и яркий характер. Кто-то очень ответственный, кто-то любит покомандовать, а кто-то только и мечтает, чтобы его оставили в покое и дали ещё поспать в первое утро новогодних каникул!

Иллюстрации создавались по заказу одного московского издательства, но, к сожалению, проект был полностью остановлен на финальном этапе работы. Пока иллюстрации ждут своего часа в отдельной папке и надеются встретить своего издателя!

Ну а пока выкладываю небольшую подборку вашему вниманию:

Надеюсь, вам понравилось!

Спасибо за внимание! :)

Книга - всегда особый подарок. Тем более, если сделана с душой и обращена к конкретным людям, специально для них.

Перед Новым годом мне предложили сделать такой вот неповторимый подарок - книгу "Про Благодарность", которую потом напечатали небольшим тиражом и передали тем, кому действительно были благодарны.

Всегда очень приятно работать над такими душевными проектами. Я постаралась создать очень тёплые и очень светлые иллюстрации о том, что для благодарности всегда найдётся время, и где-то всегда есть люди, которых действительно хочется поблагодарить.

Простые сюжеты, нежные краски и море хорошего настроения - вот что нужно, чтобы наполнить книгу добром!

В этот понедельник в самом сердце Москвы открылась замечательная выставка Mosgrafikart - 2016. Под высокой арочной крышей Московского дома художника собрались иллюстрации и плакаты разных авторов. Выразительные образы, разнообразие стилистик, необычные ракурсы, лабиринт смыслов и значений, поиск неординарного воплощения художественного замысла - и всё это в каждой работе, каждом штрихе.

Такая необычная выставка становится вступительным словом грядущего юбилея Московского Союза художников, которому скоро исполняется 85 лет. И надо сказать, что этим самым словом организаторы, похоже, стремились заявить, что 85 - ещё не возраст, и Союз готов развиваться и меняться вместе со временем, не теряя актуальности и не цепляясь за достижения прошлого. По крайней мере, направляясь на вернисаж, я ожидала увидеть нечто гораздо более консервативное и классицистическое, что всегда было свойственно выставкам, которые устраивал Союз. Однако меня ждал большой сюрприз! На открытии выставки во всём чувствовались свобода и молодость.

Первая часть выставки посвящена плакатам. Здесь собраны работы победителей сразу нескольких престижных конкурсов, в том числе международных.

А вот дальше начинается царство иллюстраций. На этот раз было неожиданно много работ, выполненных в технике цифровой живописи, но есть и классические линогравюра или акварель. Все интересные работы перечислять не буду, поскольку их слишком много, и список получился бы внушительным.

Мои работы можно увидеть здесь же. Строгая выставочная комиссия, видимо, решила показать на моём примере, что не забыты ещё традиции, и из всего многообразия работ выделила именно эту серию: иллюстрации к сказке Э.-Т.-А. Гофмана "Золотой горшок". Они выполнены в одной из сложнейших офортных техник: совмещение травлёного штриха и акватинты. Более подробно я рассказывала о такой интересной технике в предыдущих статьях.

Пользуясь случаем, передаю большое спасибо организаторам выставки!

Фотографии с грандиозного открытия:

2016 объявлен годом кино, и я решила не оставаться в стороне от такого события и принять участие в выставке "Кино как барометр времени", которая открылась в Доме кино этой весной. Эта выставка стала частью большого проекта, посвящённого отечественному и не только кинематографу. В его рамках планируется целая серия выставок по всей Москве и за её пределами, а чтобы вдохновить художников, творческое объединение "Время молодых XXI" приготовило многочисленные экскурсии, а также пригласило нас на кинофестивали и творческие вечера, за что я им очень благодарна :)

Поистине, есть нечто волшебное и чарующее в том, как из фанерных декораций возникают целые миры. Хитроумные конструкции, сколоченные из грубых досок, оборачиваются на экране грандиозными дворцами, а выученные слова загримированных актёров звучат так правдиво, что за них начинаешь переживать больше, чем за самого себя.

Свои чувства и наблюдения я постаралась передать в небольшой серии работ, посвящённых съёмкам "Войны и мира" Сергея Бондарчука. Эти работы и были представлены на выставке в числе прочих.

Выставочное пространство было разделено по разным темам: отечественная мультипликация, портреты актёров и режиссёров, эскизы и раскадровки к неотснятым фильмам. Один большой зал объединил самые разные взгляды и техники.

Несколько кадров с открытия выставки:

Я хочу рассказать об одном проекте, над которым мне довелось поработать. Всё началось с того, что я познакомилась с командой искренне увлечённых своим делом профессионалов из Института Креативной Психологии, которые решили всесторонне исследовать проблему панических атак. Увы, в наше напряжённое время панические атаки вовсе не являются чем-то экзотичным, и многие люди на себе испытали их приступы. Однако, несмотря на всю актуальность этой темы, у нас не так много средств, чтобы помочь «паникёрам» в трудную минуту. Именно чтобы исправить это упущение и решено было создать специальное приложение, которое объединяло бы в себе всё многообразие знаний о панических атаках и полный набор рецептов, способных вернуть спокойствие. Вот как, если вкратце, появилась Антипаника.

Моей задачей было «оживить» приложение весёлыми картинками и необходимыми инструкциями.

Прежде всего необходимо было придумать персонажа-паникёра. Этому герою предстояло на собственном примере рассказывать о панических атаках. Поначалу я сделала множество набросков персонажа человека. Разные лица, разные характеры. Один был комичен и забавен, другой почти натуралистичен, третий схематичен и так далее. Но всё было не то! Отодвинув в сторону эту стопку неудачных персонажей, я решила нарисовать кого-то совершенно иного. Так и возник Паникёр!

Это милое привидение, казалось бы, должно было внушать страх и ужас, но на деле само испытывает целую гамму чувств. Ему невозможно не посочувствовать!

Тем временем разработка приложения на время застопорилась из-за того, что было неясно, как можно мягко преподнести материал человеку, который находится недалеко от паники. Любое резкое слово и агрессивная картинка только ухудшили бы его положение. Надлежало быть предельно чутким и осторожным.

Как только появился Паникёр, проблема решилась сама собой! Привидение было наглядным, но в то же время слишком отвлечённым, чтобы зритель перенимал его панику. И вот работа снова закипела!

Одним из разделов приложения был тест. На простые вопросы, возникающие в голове всякого паникёра, предстояло ответить «да» или «нет», и в зависимости от ответа паника нарастала или улетучивалась. Чтобы проиллюстрировать этот тест, я нарисовала паникёра от стадии расслабленного спокойствия до полного ужаса. 21 картинка последовательно рассказывала обо всех стадиях между ними. Продумать все эти стадии, чтобы они воплощали естественную человеческую реакцию, и в то же время заметно отличались друг от друга, было не такой уж простой задачей. Вот несколько примеров:

А также схема человеческого тела, на которой были показаны особо чувствительные точки:

Кроме того, было предусмотрено несколько иллюстраций, разбавляющих текст и добавляющих приложению живости:

Теперь работа над приложением полностью готова! Можно бесплатно установить его на свой телефон.

О приложении можно узнать подробнее здесь:

Видео

Спасибо Институту Креативной Психологии за такой интересный проект!

Спешу поделиться свежими впечатлениями об одном из самых грандиозных событий в области digital – конференции CG event. Организаторы предоставили всем желающим возможность встретиться с именитыми и заслуженными художниками, а также узнать о новых технологиях и программах, которые появились совсем недавно, но в будущем вполне возможно отвоюют себе достойное место. В этом году CG-ивенту исполняется 10 лет, и по этому поводу нас порадовали увлекательной программой. В девяти залах гостиницы Holiday In в Сокольниках без перерыва шли лекции и обсуждения. Я рада была бы разорваться на девять частей, чтобы успеть всюду, но – увы! – пришлось во многом себя ограничить и тщательно выбирать, куда пойти. Выбор осложнялся тем, что все мероприятия как на подбор назывались не просто и понятно, а непременно содержали головоломку, ответом на которую являлась ассоциация, косвенно относящаяся к истинной сути грядущей лекции.

Итак, начнём по порядку!

Пожалуй, самая продуманная и основательная лекция за первый день конференции. Светлана решила напомнить о базовых принципах построения изображения, о его скрытой структуре и законах, которые полезно держать в голове, чтобы не попасться в западню восприятия. Дело в том, что мы подсознательно используем штампы, глядя на изображение. Зрительный центр мы ставим выше настоящего центра листа, считываем сюжет слева направо, а не как-нибудь ещё, и чувствуем, что элементы с края листа ближе к нам, чем те, которые находятся в центре. Таких штампов множество, и в зависимости от разных нюансов смысл картины может поменяться на диаметрально противоположный. Это глобальная тема для обсуждения, и я давно её исследую. Как-нибудь обязательно структурирую свои изыскания и напишу об этом статью, но пока я была рада, что эта проблема интересует многих.

Светлана предложила найти сотню способов построения пространства в изображении. Воздушная перспектива, цвет и тональность, линейная и перцептивная перспектива, детализация… Этих способов действительно немало. Сама Светлана призналась, что насчитала около 150. Что же, надо попробовать!

Художник, иллюстратор и комиксист под псевдонимом Отто Шмидт давно покорил издательства Европы и Америки и в частности работает над проектами для Marvel и других гигантов. Он рассказывал о себе и о том, как он пришёл к такому уровню, с чего начинал и с какими трудностями приходилось сражаться, когда он решил выйти на западный рынок. Там широко распространён принцип, по которому иллюстратор работает не напрямую с издательством, а через своего агента. Этот подход пока не отлажен в России, хотя уже оправдал себя в других странах.

Фоном его выступления служила, конечно, подборка его собственных работ, многие из которых мне были знакомы. Его лихая и динамичная техника весьма узнаваема!

Влад Ахтырский, начальник отдела композитинга крупнейшей мировой VFX-студии MPC Vancouver, рассказывал об особенностях работы над спецэффектами «Книги джунглей» (2016). Размах действительно поражает: над одним проектом работают сотни и сотни людей, огромное количество компьютеров, неиисчислимые тысячи часов рендеринга. Влад не переставал восхищаться программой Nuke и возможностями оптимизации, которые она открывает, так что всё выступление стало походить на рекламу.

На большой экран проецировались кадры этапов обработки, и можно было наблюдать, как буквально из ничего, из грубых очертаний и смутных фигур возникает сложнейшая и невероятно реалистичная картинка. Снимаю шляпу перед мастерами, чья упорная многодневная работа создала целый мир и предусмотрела каждую тень на коре дерева, каждый всплеск от падающей капли дождя, каждую искорку пламени, в которое угодил Шерхан!

Маэстро раскрыл столько секретов, что строго-настрого запретил фотографировать или производить съёмку. Такая вот секретность ) Надо отметить, что зал был полностью заполнен. Люди толпились в дверях, так что не было возможности их закрыть, а многие устроились прямо на полу (и я в их числе). Это особенное впечатление – сидеть на полу и видеть, как совершенные технологии и мастерский труд создают из пустого экрана настоящие джунгли!

Ещё одно громкое имя, и снова зал заполнен так, что трещат стены и осыпается потолок. Джама Джурабаев, легендарный концепт-художник, работающий на студию Industrial Light & Magic, Лондон. Джама покорил нас своей искренностью и юмором, не говоря уже о безупречном русском языке. Художник, который работал над такими голливудскими проектами как "Мстители", "Кинг-Конг", "Люди Икс" и "Стражи галактики", родился в Таджикистане и, похоже, немного скучает по нашим суровым краям в благополучной Англии.

В своём выступлении Джама сделал акцент на концепте в формате VR, иными словами скетче на 360 градусов. Эта технология позволяет легко менять соотношение объектов и видеть эскиз более развёрнуто, искать более выигрышные ракурсы одним поворотом виртуальной камеры. Эта технология весьма перспективна, и не исключено, что сейчас Джама разглядел метод, за которым стоит будущее всего концепт-арта. В рамках своего полуторачасового выступления художник даже показал мастер-класс, создав на наших глазах виртуальную студию с дизайнером, который сидит в фэйсбуке, пока арт-директор мирно дремлет за столом – и всё это силами фотошопа.

Ну и напоследок Джама поделился с нами принципом, который всегда его выручал: «Всё, что вам нужно – это фотошоп, доширак и пепси!».

Первый день конференции CG event закончился на яркой и весёлой ноте – докладом Олега Куваева, автора «Масяни», которая покорила весь интернет в начале 2000-х. Он рассказывал о жизни фрилансера, о работе аниматора, о создании «Масяни» и о борьбе за свои авторские права, которая в те годы была обречена на поражение.

Что же, с нетерпением ожидаю второго и заключительного дня конференции!

В этом году я побывала на международном фестивале Типомания 2018. Это настоящий праздник шрифтов, каллиграфии и плаката, который из года в год собирает неравнодушных к визуализации слова и языка. В рамках фестиваля проводятся лекции и мастер-классы разных мастеров, в том числе и иностранных, а также разные творческие конкурсы, в которых может поучаствовать любой желающий. Кроме того, здесь же можно приобрести книги по типографике, инструменты для каллиграфии и еще много всяких полезных и не очень вещиц. Ну и прежде всего Типомания - это некое единое пространство, пронизанное креативностью и поиском новых образов, которое собирает и объединяет в себе многих интересных людей. С этого фестиваля просто невозможно уйти без новых идей и находок, которые как бы сами собой возникают в голове, пока ты ходишь между плакатами и заряжаешься энергией творчества и вдохновения.

Площадкой для столь масштабного действа послужил музей Москвы. Этот музей занимает здание бывших провиантских складов, которые во времена СССР преобразились в гараж РККА. В итоге после всех изменений, перестроек и реконструкций здание сформировалось в очень необычное выставочное пространство с нетривиальной структурой, арками и длинными съездами, по которым когда-то из гаража выруливали генеральские автомобили. Фестиваль умело использовал это нестандартное пространство.

Тема фестиваля в этом году - «Восток-Запад», так что всё было посвящено своеобразию или синтезу разных культур.

Помимо современных плакатов были ещё и работы 30-50-х годов XX века. Было действительно интересно наблюдать, как плакатисты тех лет справлялись со сложнейшими задачами, используя куда более примитивные и трудозатратные инструменты, чем те, которыми мы можем распоряжаться сейчас.

Некоторые экспонаты выставки приглашают посетителей принять непосредственное участие в творческом процессе и внести свою лепту, дополнив общую картину.

Интересны были работы московской художницы, которая изобразила слово при помощи объёмных кукол. Сами по себе куклы пёстрые, и буквы теряются, но стоит обратить внимание на тень, как картинка складывается.

Особенно на фестивале мне пришлась по нраву инсталляция из светящихся букв на разных языках мира от привычных русского и английского и до японского и корейского.

После Москвы фестиваль поедет по другим городам Росии и будет путешествовать до самого ноября.

Расскажу-ка я сегодня про музей русского импрессионизма! Этот частный музей открылся в Москве совсем недавно, в 2016 году. В его коллекции есть картины Константина Коровина, Валентина Серова, Игоря Грабаря, Бориса Кустодиева, Петра Кончаловского, Василия Поленова и других замечательных русских художников. Не все они на самом деле имеют непосредственное отношение к импрессионизму, но всех объединяет эпоха: конец XIX — начало XX века.

Музей нашёл себе пристанище на территории бывшей кондитерской фабрики «Большевик», и уже одно это пространство само по себе привлекает взгляд. И само здание, и интерьеры после тщательной реставрации выглядят эффектно и современно.

Музей старается идти в ногу со временем. Меня приятно удивили стенды, которые очень наглядно показывали и рассказывали посетителям о разных художественных тонкостях вроде того, как применяется мастихин (и что это вообще за штука такая) или как по-разному ложится масляная краска на мелкозернистый и крупнозернистый холст.

Отдельно я бы ещё хотела выделить объёмные копии работ, сделанные для слабовидящих. Такие стенды я уже встречала в музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, но там это было единичным случаем (пока, они работают над этим), а здесь таких сразу несколько в постоянной экспозиции.

Кроме того, при музее работает магазинчик с нестандартными аксессуарами на художественную тематику. Сейчас в музее проходит очень любопытная выставка «ЖЁНЫ». Картины и скульптуры, представленные на ней, объединяет одно: художник изображал свою супругу. Взаимоотношения художников и их вторых половинок буквально проступают сквозь краску. Какая палитра эмоций! От нежной хрупкости и до суровой повелительности (сразу видно, кто в доме главный). Некоторые картины имеют ещё и свой особенный запах: рядом с ними есть колбы с ароматическими маслами, дополняющими настроение картины. Клевер, гроза, море - эти ароматы делают едва различимой границу между зрителем и художником.

Музей работает без выходных. Адрес: Москва, Ленинградский проспект, д. 15, стр. 11

Ещё одна выдающаяся выставка в стенах главного здания ГМИИ им. А.С. Пушкина - Лейденская коллекция. В неё вошли работы Рембрандта, Вермеера, Франса Халса и ряда их современников - словом, тех самых прославленных художников, из картин которых сложился Золотой век голландской живописи.

Про Рембрандта и говорить нечего - он прекрасен! Можно бесконечно восхвалять колорит, светотени, цельность композиции и продуманность световых акцентов, но лучше просто увидеть его работы в живую.

Коллекция во многом формируется из работ художников, которые окружали Рембрандта: его учителя Питера Ластмана, друга и коллеги Яна Ливенса, его учеников Герарда Дау, Франса ван Мириса Старшего, Герарда Терборха, Габриэла Метсю, Карела Фабрициуса. И пускай силы их таланта было недостаточно, чтобы бороться на равных с гением Рембрандта, но всё же хватило, чтобы пройти сквозь века и проявиться на этой значимой выставке.

Приятным открытием для меня стал Герард Дау, один из самых известных учеников Рембрандта. В его работах чувствуется не столько повторение великолепной техники его учителя, сколько поиск собственных путей, а это очень ценно. Эта независимость выгодно отличает его от многих и многих других учеников самых разных великих художников - таких учеников, которые боялись и на шаг отступить от своих легендарных учителей, а в итоге скатывались к тому, что копировали, пускай даже с блеском, одну лишь пустую оболочку, как будто не замечая, что упускают самое главное.

Особенно мне запомнился автопортрет. На нём совсем ещё юный художник с измождённым и опухшим от усталости лицом сидит за мольбертом явно не первый час. Кажется, будто он мысленно проклинает тот день, когда избрал для себя путь художника. "Почему меня никто не предупредил, что будет так сложно!?" - как бы восклицает он про себя.

Герард Дау (его так же называют Герритом Доу, и виной тому несовершенство транскрипций русского языка, которые покалечили имена не только этого нидерландского художника, но и ещё многих других, включая самого Яна Вермеера), так вот, не стоит забывать, что Герард Дау относится к числу малых голландцев, то есть всё обилие деталей он умудрялся уместить на очень скромных форматах, что я бы засчитала ещё одним его бесспорным плюсом. Справедливости ради стоит отметить, что Герард Дау был невероятно популярен в своё время, и слава его пошла на убыль только в 19-м веке.

А теперь о других художниках!

Ян Вермеер, увы, представлен только одной картиной. Хотя... если вспомнить, что во всём мире официально есть всего 36 его картин, то и одна - уже неплохо.

Запомнилось печальное, немного обиженное лицо мальчика на картине Яна Ливенса. Впрочем, эмоции ребёнка вполне понятны, если брать в расчёт, что он - принц, только что лишившийся своего королевства.

Не меньше запоминается и автопортрет художника. В его взгляде, в его свободно лежащих длинных волосах, в его порывистом движении как будто чувствуются отголоски совсем другой эпохи - романтизма времён первой французской революции. В голове сами собой возникают странные ассоциации со "Свободой на баррикадах" Эжена Делакруа.

Настоящей жемчужиной является рисунок, не имеющий никакого отношения к нидерландским мастерам, но всё же включённый в коллекцию. Речь о рисунке Леонардо да Винчи. Увидеть его на выставке было приятным сюрпризом!

Лейденская коллекция вместила в себя ещё немало интереснейших картин, хотя встречаются и довольно специфические. Преувеличенные эмоции, неестественные позы, сомнительные пропорции - и такое случалось с малыми голландцами. Но тем прекраснее и ярче настоящие шедевры, которых в коллекции тоже достаточно!

В любом случае, очень советую посетить эту замечательную выставку! Она продлится до 22 июля 2018 года.

Ну и напоследок фотография с величавыми колоннами ГМИИ им. А.С. Пушкина:

Уже совсем немного осталось до закрытия выставки Василия Верещагина, которой Третьяковка на Крымском Валу решила порадовать своих посетителей. После успеха выставок Серова, Левитана и других прославленных художников, очередь справедливо дошла до этого необычного живописца. Верещагин очень много путешествовал, побывал в самых разных странах и воспел в своих картинах каждую из них. Вот и получается, что входя на выставку, отправляешься в далекое путешествие вслед за художником.

В те времена, во вторую половину 19-го века, путешествовали не так, как принято сейчас: стремительно меняя города и страны и успевая сделать только пару снимков, даже не запомнив, как называется тот город, в котором только что был. Нет, Верещагин путешествовал обстоятельно, без спешки. Он успевал глубоко проникнуться колоритом каждого пункта своей поездки, поймать особенности одежды, быта, нравов. Да и сами страны и народы, не обезличенные глобализацией и прогрессом, были куда как самобытнее, чем те, которые сможет увидеть современный путешественник.

Картины Верещагина закономерно разбиваются на серии в зависимости от того, под впечатлением от какой страны они были написаны. Есть, например, Туркестанская, Индийская, Японская серии. Третьяковка не стала избегать такого разумного метода систематизации, так что вся выставка разбита по сериям. Это очень удобно!

Еще от дверей сразу бросается в глаза знаменитый "Апофеоз войны" из Туркестанской серии. Так о нем отзывался сам автор: «Если не считать ворон, это натюрморт, в переводе с французского — мёртвая природа».

В этой серии довольно много сцен жутких и пугающих, что и понятно: в то время шли войны, на которых порой проявлялась самая чудовищная жестокость. Художник знал об этом непонаслышке: он участвовал в обороне Самарканда, получил ранение, а позже был награжден орденом. Очень тяжёлое впечатление оставляют картины "Торжествуют" и "Представляют трофеи", где среди величественной и изящной восточной архитектуры не сразу замечаешь отрубленные головы, насаженные на шесты или брошенные к ногам высокомерного правителя. Однако если уж замечаешь эту, казалось бы, крошечную деталь, почти незаметную на сложной многофигурной композиции, то больше не можешь думать ни о чём другом. В этих и многих других картинах художник-пацифист надеялся пробудить в зрителе отвращение к войне, чтобы люди задумались о её ужасах и больше никогда не повторяли ошибки, ввязываясь в новую череду убийств, оправданных громкими лозунгами.

Но не только о войне и смерти хотел рассказать художник. В серии есть и миролюбивые картины. Среди них мне особенно нравятся "Богатый киргизский охотник с соколом" и "Дервиши в праздничных нарядах". С таким вниманием, с таким не наигранным интересом прорисована каждая ткань, каждая складочка сложных нарядов!

Не менее прекрасны и пейзажи, и архитектура, что свидетельствует о разноплановости художника. Отдельно хочу выделить работы "Двери Тимура" и "У дверей мечети". Верещагин так досконально изобразил орнамент на двери, что невольно восклицаешь: неужели человек на такое способен!? К слову сказать, организаторы выставки дополнили работы старинным оружием, колонной и даже дверью, очень похожей на те, которые художник изобразил на двух последних из перечисленных картинах.

Кстати говоря, рассматривая эти две последние картины вблизи, я заметила, как сквозь краску, которой написаны люди, просвечивает узор дверей. Сразу становится ясна последовательность, с которой художник работал над картиной: архитектурные элементы сначала и прежде всего, а люди потом; то, что останется на века, и то, что скоро рассыпется во прах, не оставив и следа... Шучу-шучу, эта последовательность обусловлена техническими особенностями работы над картиной.

Индийская серия в целом куда более мирная. Ведущая тема в ней: невиданные богатства и чудовищная нищета в особом индийском восприятии, которое цепляется за деление на касты и оправдывает это неестественное расслоение общества суевериями. На одной стороне величественные храмы и дворцы из белого мрамора, а на другой - факиры, привыкшие к лишениям и считающие своё положение нормальным и естественным.

Немного отдельно от этой темы - портреты местных жителей, которые мне показались очень выразительными и характерными.

Пожалуй, самая ужасающая по своим сюжетам серия, Балканская, содержит ещё более мощный призыв художника-пацифиста убрать подальше оружие и забыть о нём навсегда. Небывалой пронзительности достигает этот призыв в полотне под названием "Побежденные. Панихида". И опять же художник намеренно завуалировал ужас, творящийся на картине. При первом взгляде видишь только поле и двух людей, офицера и священника, который служит панихиду. Но продолжаешь вглядываться и различаешь среди скудной травы тела павших русских солдат, тысячи и тысячи обезображенных трупов. Им нет числа; мёртвые тела, сваленные победителями плотно друг к другу, заполняют всё поле до самого горизонта. Эта картина не кричит о смерти, не тычет в глаза пятнами крови, так что можно пройти мимо и даже не заметить, что на ней изображено. Но стоит остановиться, стоит всмотреться, и уже не сможешь уйти тем же человеком, каким пришёл. Вот бы всякого политика, который затевает новую войну, прежде поставить перед этой картиной!

Цикл "Трилогия казней" объединяет разные эпохи. Одна из картин, "Распятие на кресте у римлян", изображает распятие Иисуса Христа, но в таком необычном ракурсе, что картину многие посчитали настоящим вызовом церкви и её канонам. Настроение в картине задаёт мрачное грозовое небо. Воистину, "Тьма, пришедшая со Средиземного моря, накрыла ненавидимый прокуратором город"!

Другая картина цикла, "Казнь заговорщиков в России", показывает повешение народовольцев-цареубийц Александра II. В ней Верещагин использовал уже знакомый нам тонкий ход: ужас происходящего заметен далеко не сразу. Повешенные нарисованы вдали, почти незаметны за пеленой снега. У этой картины была тяжелая судьба, она очень редко выставлялась и только недавно вернулась к широкой публике после реставрации. Видеть её на этой выставке - настоящий подарок!

Наконец, третья часть цикла - "Подавление индийского восстания англичанами", изображает отвратительный вид казни, "дьявольский ветер". Суть такова: человека привязывают к пушке и выстреливают из неё. Картина произвела много шума. Её выкупили через подставных лиц и скорее всего уничтожили, чтобы скрыть позор, казалось бы, цивилизованных англичан. Разумеется, на выставке её не было, но не упомянуть о ней я не могу.

Не стоит говорить, что Василий Верещагин совсем не уделял внимания Родине. Следующие серии как раз о России: Русская серия и "Наполеон в России". Из последней мне запомнился карикатурный образ французского императора средь русских снегов, "С оружием в руках — расстрелять!". Сюжет у картины, правда, совсем невеселый: Наполеон приговаривает партизан к казни.

И наконец, завершающая Японская серия. Художник явно наслаждался неповторимым японским колоритом и с удовольствием изображал костюмы, интерьеры, портреты. Организаторы выставки украсили часть зала, отведённую этой серии, настоящими японскими кимоно, а также очаровательной куклой в этом прекрасном одеянии (её можно увидеть в конце поста).

К сожалению, эта серия оборвалась неожиданно и самым трагическим образом. Началась русско-японская война, во время которой художник погиб при взрыве на мине броненосца "Петропавловск" на внешнем рейде Порт-Артура.

Всем, кто ещё не был на этой замечательной выставке, рекомендую не упустить такой шанс! Она будет работать до 15 июля. Время ещё есть!

Ну и напоследок несколько моих кадров с выставки:

Спешу рассказать, что я не просто так пропадала всё последнее время непонятно где, а осуществляла свою давнюю мечту! Если вкратце, то я участвовала в выставке во Франции!!! Собственно, в этом и заключалась моя мечта, которая зародилась в моём честолюбивом сердце ещё в институте, долгое время казалась недостижимой и теперь совершенно неожиданно и спонтанно осуществилась! Всё началось с того, что группа из пяти художников (включая меня) прибыла во Францию, а вернее в очаровательный городок Буживаль, что в пригороде Парижа. Этот город был запечатлён на многих полотнах импрессионистов, да так им полюбился, что его даже прозвали "Колыбелью импрессионизма". В разных частях города можно наткнуться на таблички: "Вот здесь была создана такая-то картина", и можно даже точно вычислить, с какого места писали свои пейзажи Моне или Ренуар.

На протяжении недели мы без устали бегали по городу с этюдниками и палитрами, а перед отъездом собрали все созданные работы на выставке под открытым небом. Множество зрителей собиралось вокруг картин. Они что-то рассматривали, обсуждали, спрашивали. Я очень пожалела, что плохо говорю по-французски.

Но самым запоминающимся посетителем выставки стал... президент Франции! Эммануэль Макрон прибыл в Буживаль, чтобы открыть Европейские дни наследия, и событие это происходило как раз на фоне нашей выставки!

Ну а теперь несколько фотографий:

В музее-усадьбе Кусково состоялась выставка, приуроченная к столетию музея. Расположилась она возле павильона Эрмитаж всего на один день и прямо под открытым небом. Это очень нестандартный формат для выставок хотя бы из-за капризов погоды, которая запросто могла бы превратить выставку в катастрофу с ливнем и ураганным ветром. Но на этот раз повезло: светило яркое солнце и ни один порыв ветра не опрокинул мольберты, на которых были закреплены работы. Толпы людей, пришедших в усадьбу на день города Москвы, с любопытством рассматривали картины. Есть что-то особенно приятное для тщеславия творческого человека в том, чтобы наблюдать за зрителями, которые останавливаются перед его работами, изучают, интересуются, вглядываются в детали, делятся друг с другом эмоциями и размышлениями. Частичка этого яркого и солнечного дня осталась на фотографиях, которыми я спешу поделиться с вами!

Ура! Из типографии прибыла книжка с моими иллюстрациями! Как же приятно полистать страницы, ещё пахнущие типографской краской! Главный герой книги - маленький, но отважный пёсик Ириска, который всегда готов прийти на помощь тем, кто попал в беду. На пути наш герой встречает новых друзей и попадает в разные сказочные приключения. Ириска знакомится со многими сказочными существами и порой попадает в весьма опасные ситуации. Но Ириска ни за что не пройдёт мимо тех, кто попал в беду. Он смело встречает любые опасности, защищая и спасая тех, кто нуждается в его помощи. Так что без сомнения, всё закончится хорошо!

Книжку про приключения отважного и доброго пёсика по кличке Ириска можно приобрести в интернет-магазинах как в электронном, так и в печатном виде. Автор этих добрых сказок - Тамара Остакина.

Спешу поделиться новостью: в Чеховском культурном центре открылась новая выставка с моим участием! Как можно догадаться, выставка посвящена Антону Павловичу Чехову.

Я подготовила к выставке 3 иллюстрации к «Чёрному монаху». Эта повесть уже не первый раз притягивает моё внимание. Например, я уже иллюстрировала её в 2015 году (тогда выставка проходила в особняке купца Носова). Даже брала отчасти те же сюжеты. Но теперь они получились совершенно иначе. Другая стилистика, другое настроение, другие акценты. Один Чехов всё тот же! И меня не покидает ощущение, что если я вернусь к этому произведению ещё лет через 5-6, то получится что-то третье, такое же непохожее на всё предыдущее!

Открытие выставки - это всегда праздник. На этот раз всё началось с музыки. Талантливые молодые музыканты порадовали нас полноценным концертом. Отдельное спасибо за моего любимого Прокофьева в программе!

Кроме иллюстраций к разным произведениям на выставке можно посмотреть на эскизы костюмов для разных спектаклей и на зарисовки из тех мест, где драматург провёл немало времени в разные периоды своей жизни.

Адрес: Страстной бульвар, д. 6 стр. 2 (м. «Чеховская», «Пушкинская», «Тверская»)
Чеховский культурный центр

В библиотеке иностранной литературы им. М.И. Рудомино открылась новая выставка под поэтичным названием «Все должны прежде всего на свете жизнь полюбить…». Это цитата из романа «Братья Карамазовы».

Акцент на выставке прежде всего на иллюстрациях. Вот и я выступила с двумя иллюстрациями к роману «Идиот». Вообще-то иллюстраций планировалось три, но на Рогожине я решила уйти в эксперименты, и они были признаны неудачными. Мной же признаны, разумеется. В итоге решила её не выставлять.

Первая иллюстрация изображает князя Мышкина. На первом плане портрет этого кроткого и доброго человека. Позади - знаменитый «Мёртвый Христос в гробу» Ганса Гольбейна Mладшего - картина, которая произвела и на самого писателя, и на главного героя его романа неизгладимое впечатление. А для контраста - прекрасная Швейцария, где князь не знал забот и тревог.

Вторая иллюстрация, что закономерно, посвящена Настасье Филипповне. Эта надменная и прекрасная дама глядит с вызовом, но в глубине её глаз прячется горе. Фон также передаёт две крайности её сущности. По одну её сторону - знаменитый момент, когда она выбрасывает сто тысяч рублей в камин. По другую - её внутренний надлом, отчаяние и неудачная попытка бегства от своей жестокой судьбы, а вернее, от своей собственной сущности.

Кроме картин на выставке можно найти издания Достоевского на самых разных (и порой весьма неожиданных) языках.

На выставку не надо покупать билет, но желательно заранее зарегистрироваться на сайте библиотеки или получить читательский билет (это быстро).

Этим летом в музее-театре «Булгаковский дом» прошла выставка «Тебе, мастер», посвящённая жизни и творчеству великого писателя. Я была безумно рада принять в ней участие, поскольку Булгаков - один из моих самых любимых писателей, и иллюстрировать его - бесконечное удовольствие!

Сам музей очаровывает своей атмосферой. Думаю, Михаилу Афанасьевичу здесь бы понравилось! Во-первых, здесь живёт роскошный кот Бегемот - гигантский чёрный мейн-кун со спокойным и независимым характером. Во-вторых здесь есть сразу несколько секретных комнат со всякими чудесами. В-третьих, этот музей создавали и развивали люди, для которых это не работа, а призвание, и это отношение чувствуется даже в мелочах.

Я долго думала, на каком произведении остановиться, и в конце концов проиллюстрировала «Зойкину квартиру» - очень динамичную историю с яркими героями и антуражем 20-х годов. Меня вдохновляла мода и образы того времени: одежда, аксессуары, типажи, представление о прекрасном. Не могу сказать, что хотела бы жить в этом времени, поскольку оно было наполнено чудовищными контрастами. Но любоваться им издали - запросто!

Я сконцентрировала внимание на двух сценах. Первая - мирная бытовая сцена примерки в так называемом ателье, которое главная героиня пьесы завела для отвлечения внимания. Вторая - трагическая кульминация, в которой происходит убийство, и жизнь героев раскалывается на «до» и «после». Сложная многофигурная композиция обостряется динамикой чёрного, серого и белого. Каждая деталь подчинена гротескному и всё ускоряющемуся ритму.

Техника исполнения: тушь, линер, акварельная бумага. Формат 20 на 30 см. 2021 год.

Сегодня я расскажу о том, как побывала на, пожалуй, центральном событии года в области детской книги. Это крупнейшая в мире выставка, посвящённая детской книге. К тому же, в этом году ярмарка отпраздновала своё 60-летие, и сделала это с размахом!

Болонья - очаровательный итальянский город, известный прежде всего благодаря легендарному университету, который в своё время окончили Николай Коперник и Франческо Петрарка. По узким улочкам и изящным галереям старого города можно бродить бесконечно, но в этот раз мне не до них, потому что я приехала в этот дивный уголок именно ради выставки.

Сама выставка представляет из себя грандиозное событие. Если вы когда-либо были в Москве на non/fiction и к концу дня, валясь с ног, выясняли, что обошли только часть экспозиции, то представьте себе ярмарку в 5 раз больше и посвященную исключительно детскому сегменту книжной индустрии.

От входа начинается стена иллюстраторов. Здесь творцы со всех концов земли оставляют свои плакаты, открытки и визитки, чтобы быть замеченными и найти новых заказчиков и поклонников своего таланта. Стена заклеена работами от пола до потолка, так что если вы хотите занять выгодное положение, лучше прийти в первый же день к самому открытию. К третьему дню (когда пришла я) на стене не было свободного места вообще.

Помимо физической стены иллюстраторов есть ещё и её виртуальная ипостась. Можно забронировать на ней место, и ваши работы будут выставляться на сайте на протяжении нескольких месяцев, а также транслироваться на специальных экранах во время выставки. Мои работы тоже можно найти на этой стене.

Рядом проходит сразу несколько выставок иллюстраторов. Здесь можно найти работы как прославленных профессионалов, так и победителей конкурсов. Итоги некоторых крупных конкурсов подводят здесь же, в специальном зале. Я с удовольствием послушала членов жюри, которые подробно объясняли, что именно они ценят в той или иной работе конкурсантов, делились своим опытом и впечатлениями. Больше всего мне запомнился рассказ канадского иллюстратора Сиднея Смита. Он вспоминал, как когда-то гонялся в своём родном городе за каталогом победителей выставки иллюстраторов, а теперь сам стал членом жюри, который отбирает работы для этого каталога.

В следующих нескольких корпусах располагаются стенды издательств со всего мира. Тысячи и тысячи книг на самых разных языках под одной крышей!

Но меня тянет дальше и дальше, к самому укромному уголку ярмарки. Здесь располагается прибежище иллюстраторов, Illustrators Survival Corner. В одном зале проходят мастер-классы, в другом читают лекции, в третьем презентуют новые издания, в четвёртом идут портфолио-ревью. И если с остальным всё более-менее понятно, то что такое эти пресловутые портфолио-ревью? Суть проста: здесь можно показать свои работы как в распечатанном виде, так и с экрана принесённого с собой планшета или ноута. В ответ расскажут, на чём сделать акцент, а что выглядит лишним. Записываться нужно заранее на сайте. На каждого человека есть лимит по времени.

Хоть на Болонской ярмарке и можно услышать все языки мира, но большая часть лекций и выступлений проходит на английском языке.

Я под большим впечатлением от Болонской детской книжной ярмарки и очень надеюсь, что вернусь сюда ещё не раз. Это невероятный опыт. Атмосфера творчества здесь настолько концентрированная, что свежие идеи тысячами приходят в голову и выстраиваются в длинную очередь - больше, чем та, которая стояла к ларьку с сэндвичами в обеденном углу!

Ну и напоследок немного об организационных вопросах на случай, если вы решите поехать на BCBF в будущем. У выставки есть сайт и удобное мобильное приложение. Если зарегистрироваться как иллюстратор или переводчик, можно получить очень приятную скидку. Билет на день обошёлся мне в 20 евро. Всего выставка длилась 4 дня, с 6 по 9 марта, но год от года даты сдвигаются довольно сильно. Выгоднее всего брать билет на все 4 дня. Со скидкой он будет стоить 50 евро. Кроме того, ярмарка является основанием для получения визы.

В этом году я после долгого перерыва смогла выбраться на пленэр в большой весёлой компании других художников, и получилось очень здорово!

Маршрут поездки был вдохновлён А.Н. Островским и Ф.И. Шаляпиным, у которых с этими местами были связаны очень многие воспоминания.

Пленэр начался в Костроме, где мы не только вдоволь прогулялись по городским улочкам, но и посетили музей деревянного зодчества и Ипатьевский монастырь. Один день мы полностью посвятили усадьбе Островского в Щелыково, где проходила выставка с моим участием. Далее мы отправились в Иваново и Кинешму.

Программа была перенасыщена событиями и впечатлениями. Каждый день я вставала ни свет, ни заря (что для такой совы, как я, то ещё испытание), и затем целый день были экскурсии, переезды, плавания на корабликах и, конечно, рисование, рисование, рисование. Ну и под вечер, когда мы без сил доползали до нашего скромного прибежища, волоча за собой этюдники, начиналось чаепитие всей нашей дружной компанией!

Первый день поездки выдался погожим и тёплым, что вполне ожидаемо для начала июля. Но потом похолодало, сгустились тучи, и всю оставшуюся неделю пришлось прятаться от дождя и дрожать от холода, что, как я надеюсь, благотворно сказалось на моих работах, придав им больше экспрессии. Обычно дождик был небольшим, и отдельные капли лишь добавляли в картину интересную текстуру. Но иногда он усиливался и напрочь смывал акварель с листа.

Мы сели в электричку на Ярославском вокзале и всю ночь мчали мимо незнакомых полустанков. Рассвет встретили, проезжая по мосту над величественной Волгой. Затем заселились в пустующее по случаю летних каникул общежитие Колледжа культуры. Это место могло бы послужить отличной декорацией для фильма ужасов! Впрочем, клопов там не было, и на том спасибо!

Весь день замечательная местная художница Василиса водила нас по городу, рассказывала его историю и делилась городскими тайнами. Вот вы, например, знаете, что для костромичей значит "Сковородка"?

На другом берегу Волги сияет белизной стен и золотом куполов изумительной красоты монастырь. Туда мы и направились: сначала на экскурсию, а потом порисовать. Правда, в творчество вмешался мощный ветер. Он уносил то листы акварельной бумаги, то кисточки и карандаши, то всю меня целиком.

Эта усадьба перешла по наследству великому драматургу Александру Николаевичу Островскому. Здесь он жил вместе со своей семьёй, приводил в порядок и перестраивал своё имение, а также написал много известнейших произведений (в том числе «Грозу» и «Бесприданницу»).

В этих местах действительно есть что-то притягательное и вдохновляющее! А какая здесь природа! Ах!

Есть в Костроме одно уникальное пространство, куда свезли деревянные постройки со всей округи. Здесь есть и старинные церкви, и крестьянские дома, и мельница. Такое чувство, будто заглядываешь сквозь пелену веков в далёкое прошлое и невольно становишься свидетелем повседневной жизни людей, чьи имена давно забылись.

Пожалуй, этот день запомнился мне больше всего!

Мы сели на теплоход в Кинешме и поплыли по Волге, кутаясь в пледы от сильного ветра, который на воде был особенно пронизывающим. Наш кораблик подплыл к какому-то дикому берегу, где нас, художников, высадили, а туристы поплыли дальше. Тут самое время было занервничать, так как место было явно глухое и вдали от цивилизации, а про возвращение теплохода нам никто ничего не сказал. Что ж, мы подхватили краски и походные стулья, и пошли от берега прочь. Мы пересекли небольшое болотце, через которое были перекинуты мостки из нестроганных досок, вскарабкались по едва заметной тропинке на холм, и тут перед нами раскинулся величественный вид на Волгу! Все волнения и неудобства были забыты. И вот уже ветер не казался таким уж пронизывающим, пустые желудки перестали о себе напоминать, и неопределённость обратной дороги забылась. Не сговариваясь, мы расселись на холме и начали рисовать. Вот таким и должен быть настоящий пленэр!

(Да, кораблик вернулся за нами часа через четыре и доставил нас обратно в цивилизацию).

По итогам пленэра состоялась (и ещё состоится) целая серия выставок, о которых я расскажу позднее.

А вот и главный результат поездки: